Rembrandt Harmenszoon van Rijn (en néerlandais Écouter[1]), généralement désigné sous son seul prénom Rembrandt, est un peintre, graveur et dessinateur néerlandais, né à Leyde le ou 1607[note 2] et mort à Amsterdam le . Vieux Maître innovant et prolifique, il est généralement considéré comme l'un des plus grands artistes visuels de l'histoire de la peinture et l'un des plus importants peintres de l'École hollandaise du XVIIe siècle.
Pour les articles homonymes, voir Rembrandt (homonymie).
Naissance |
ou 1607 Leyde, République des Sept Pays-Bas Unis |
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Décès |
(à 63 ans) Amsterdam, République des Sept Pays-Bas Unis |
Sépulture | |
Période d'activité | |
Nom de naissance |
Rembrant Harmenszoon van Rijn[note 1] |
Nationalité |
Néerlandais |
Activité |
Peinture, gravure, dessin |
Formation | |
Maître | |
Élève |
Ferdinand Bol, Gérard Dou, Willem Drost, Govaert Flinck, Carel Fabritius, Samuel van Hoogstraten, Nicolas Maes et Eeckhout |
Lieux de travail | |
Mouvement |
Âge d'or de la peinture néerlandaise Peinture baroque |
Père |
Harmen Gerritszoon van Rijn (d) |
Mère |
Neeltje Willemsdr. Zuytbrouck (d) |
Conjoint | |
Enfants |
Cornelia van Rijn (d) Titus van Rijn |
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Il a réalisé près de quatre cents peintures[note 3], trois cents eaux fortes et trois cents dessins. Contrairement à la plupart des maîtres néerlandais du XVIIe siècle, les œuvres de Rembrandt représentent un large éventail de styles et de sujets : portraits, autoportraits, paysages, scènes de genre, scènes allégoriques et historiques, thèmes bibliques, peintures mythologiques et études animales. Ses contributions à l'art eurent lieu dans une période de grande richesse et de réalisations culturelles que les historiens appellent le siècle d'or néerlandais. À cette époque, l'art néerlandais (en particulier la peinture néerlandaise), bien qu'antithétique au style baroque qui dominait l'Europe, était prolifique et innovant. Cette époque a donné naissance à de nouveaux genres importants. Comme beaucoup d'artistes du siècle d'or néerlandais, tel Johannes Vermeer, Rembrandt était un collectionneur et un marchand d'art passionné.
Rembrandt ne s'est jamais rendu à l'étranger, mais il a été considérablement influencé par le travail des maîtres italiens et des artistes des Pays-Bas historiques qui avaient étudié en Italie, comme Pieter Lastman, les caravagesques d'Utrecht, le baroque flamand et Pierre Paul Rubens. Après avoir connu un succès pendant sa jeunesse en tant que portraitiste, ses dernières années ont été marquées par une tragédie personnelle et des difficultés financières. Cependant, ses peintures ont été populaires tout au long de sa vie, sa réputation d'artiste est restée grande et pendant vingt ans, il a enseigné à de nombreux peintres néerlandais devenus célèbres.
Les portraits de ses contemporains, ses autoportraits et les illustrations de scènes de la Bible sont considérées comme ses plus grandes œuvres. Ses autoportraits constituent une autobiographie intime. Sa plus grande contribution dans l'histoire de la gravure a été la transformation du procédé de gravure à l'eau-forte, qui est passé d'une technique de reproduction relativement nouvelle à une forme d'art authentique. Sa réputation de plus grand graveur de l'histoire du médium s'est établie durant son vivant. Peu de ses peintures ont quitté les Provinces-Unies au cours de son vivant, mais ses estampes ont circulé dans toute l'Europe et sa grande réputation reposait initialement sur elles seules.
Dans ses œuvres, il a exposé sa connaissance de l'iconographie classique. La représentation des scènes bibliques était basée sur son érudition des textes spécifiques, son assimilation de la composition classique et ses observations de la population juive d'Amsterdam. Sa famille proche — Saskia, sa première femme, son fils Titus et sa deuxième concubine Hendrickje Stoffels — sont apparus régulièrement dans ses peintures. Une des caractéristiques majeures de son œuvre est l'utilisation de la lumière et de l'obscurité (technique du clair-obscur inspirée du Caravage) qui attire le regard par le jeu de contrastes appuyés. Il est aussi connu pour la matérialité de sa peinture et son style rugueux, en opposition avec le style lisse et fini de ses contemporains. Les scènes qu'il a peint sont intenses et vivantes.
Rembrandt n'est pas un peintre de la beauté ou de la richesse, mais il a montré la compassion et l'humanité, qui sont ressorties dans l'expression de ses personnages, qui sont parfois indigents ou usés par l'âge. En raison de son empathie pour la condition humaine, il a été appelé « l'un des grands prophètes de la civilisation » par plusieurs historiens. Le sculpteur français Auguste Rodin a déclaré : « Me comparer avec Rembrandt ! Quel sacrilège ! Avec Rembrandt, le colosse de l'Art ! Nous devrions nous prosterner devant Rembrandt et ne jamais comparer qui que ce soit avec lui ! »
Rembrandt[note 1] Harmenszoon van Rijn est né le [note 4] rue Weddesteeg[note 5] à Leyde, ville universitaire et industrielle des Provinces-Unies (actuels Pays-Bas). Il est le neuvième des dix enfants[note 6] d'une famille aisée : son père, Harmen Gerritszoon van Rijn[note 7], est meunier sur le Rhin et sa mère, Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck, est fille de boulanger[5]. La religion occupe une place centrale dans l'œuvre de Rembrandt et la période de tension religieuse dans laquelle il a vécu donne à sa foi une certaine importance. Sa mère est catholique et son père appartient à l'Église réformée néerlandaise. Tandis que son œuvre dévoile une profonde foi chrétienne, on ne sait pas si l'artiste appartenait à une Église en particulier, bien que ses cinq enfants fussent baptisés dans des églises réformées d'Amsterdam : quatre dans la Vieille église d'Amsterdam et un, Titus, dans la Zuiderkerk[6].
Enfant, il est le seul de la fratrie qui étudie[7] à l'école latine (institution calviniste donnant un enseignement religieux très poussé et où il prend ses premiers cours de dessin et apprend l'actio et le pronunciato, pratiques visant à allier voix et gestes, qui l'influenceront plus tard dans son travail, notamment dans la pratique du théâtre pour pouvoir mettre en scène ses compositions et ainsi leur donner un effet plus naturel que le simple modèle qui pose dans l'atelier[8]). À l'âge de 14 ans, il s'inscrit à l'université de Leyde mais n'y étudie pas[9],[10],[4] et montre rapidement une forte inclination vers la peinture. En 1621, il devient alors pendant trois ans l'apprenti du peintre d'histoire versé dans les descriptions de scènes infernales[11] Jacob van Swanenburgh[12],[note 8], chez qui il apprend le dessin à la plume[14], puis Joris van Schooten[note 9],[16].
Mais ce qui est déterminant dans sa formation est son séjour de six mois à Amsterdam en 1624, chez Pieter Lastman et Jan Pynas[note 10] : Rembrandt y côtoie Jan Lievens, en apprentissage chez Lastman, et il y apprend le dessin au crayon, les principes de la composition et le travail d'après nature[14]. Il aborde principalement les mêmes thèmes bibliques et antiques que Lastman et les traite avec la même « puissance narrative et des accents réalistes très remarquables[16]. » Lastman lui transmet aussi l'influence d'artistes qu'il avait côtoyés à Rome : Adam Elsheimer et le Caravage, tandis qu'il découvre l'œuvre de Rubens dans son atelier. Rembrandt s'approprie ainsi le clair-obscur pour en faire un langage propre « d'une rare poésie »[16]. L'animation et l'art d'Amsterdam marquent son œuvre de jeunesse et il fait la connaissance de peintres flamands, dont Hercule Seghers[14]. Il rentre à Leyde en 1624[11].
Contrairement à beaucoup de ses contemporains qui faisaient le Grand Tour en Italie lors de leur formation, Rembrandt n'a jamais quitté les Provinces-Unies[18],[19] et il s'établit à Leyde en 1625[note 11]. Son ami Jan Lievens le rejoint. Dans son autobiographie, Constantijn Huygens fait part de sa rencontre avec les deux jeunes artistes : « Je dois confesser que je n'ai jamais vu plus grande diligence et industrie chez aucun individu, quels que soient son occupation ou son âge. Car en vérité ils consacrent tout leur temps [à la peinture] ; c'est la seule chose qui compte pour eux. Et le plus étonnant est que même les amusements les plus innocents de la jeunesse leur paraissent une perte de temps[21]. » À cette époque, leur talent et leur style sont si proches qu'il est difficile pour les historiens de l'art de les distinguer[note 12],[16]. Concernant les gravures de Rembrandt, André-Charles Coppier parle d'une époque où la production de ce dernier est jusque-là limitée à une surproduction d'estampes à vocation commerciale — des « sujets de vente » pour lesquels il se contentait d'un style purement linéaire —, associé aux peintres Jan Lievens, Gérard Dou, Hendrick Cornelisz. van Vliet et Jacques des Rousseaux[23].
En 1625, il signe La Lapidation de saint Étienne, premier tableau qui nous soit parvenu de lui. L'année suivante, il réalise ses premières eaux-fortes, Le repos pendant la fuite en Egypte[œ 1] et La Circoncision[œ 2],[11]. En 1627, Rembrandt enseigne déjà à des apprentis, dont le premier est Gérard Dou qui entre dans son atelier en 1628, et commence probablement avec la préparation des panneaux et des toiles, qui étaient tous faits à la main dans les ateliers des peintres[24]. Le tout premier commentaire sur Rembrandt connu date de 1628, où l'humaniste Aernout van Buchel écrit : « On couvre d'éloges le fils du meunier de Leiden, mais cela me semble prématuré[11]. »
Il ouvre un atelier à Leyde vers 1624, qu'il partage avec son ami et collègue Jan Lievens. En 1627, Rembrandt commence à accepter des élèves, parmi lesquels Gerrit Dou en 1628[25].
En 1629, l'homme politique Constantijn Huygens, poète et secrétaire du prince d’Orange[note 13], lui rend visite dans son atelier et se montre enthousiaste sur Rembrandt dans son autobiographie[11] ; ses commandes lui apportent notoriété et le sortent de ses difficultés financières. Grâce à cette collaboration, le prince Frédéric-Henri achète des peintures à Rembrandt jusqu'en 1646[26]. En 1630, son père meurt. Il délaisse quelque peu la peinture pour se consacrer à la gravure — c'est d'ailleurs son année la plus productive (quinze estampes connues), quoiqu'elles ne soient pas les plus intéressantes : selon Gary Schwartz, ces « petites planches (...) manquent de rigueur »[11].
En 1631, après avoir acquis une certaine reconnaissance, il se voit proposer de multiples commandes de tableaux de corporations et de portraits (les « Doelen », son premier portrait de groupe, Leçon d'anatomie du docteur Tulp, étant réalisé en 1632), commandes issues d'Amsterdam qui l'obligent à s'installer dans cette ville. Un important marchand d'art lui offre le gîte, Hendrick van Uylenburgh dont il épouse la nièce Saskia van Uylenburgh le . Ce dernier l'introduit dans le cénacle de la haute société et favorise sa réputation, ce qui lui vaut plus de 50 commandes de portraits de patriciens dans les années 1631-1634 — virage déterminant dans sa carrière[11]. Rembrandt a réalisé plusieurs portraits de sa femme entre 1633 (National Gallery of Art, Washington D.C) et 1634 (musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg)[27], et reste très prolifique en eaux-fortes, qui gagnent en qualité[11]. Il grave notamment des scènes bibliques qu'il n'a pas le temps de peindre et peint pour la première fois des scènes de genre, des allégories et des portraits sur commande (1633)[28].
Rembrandt et Saskia se marient en 1634[7] et ont un premier enfant en 1635, Rumbartus, qui meurt seulement deux mois plus tard. Il montre à cette époque une grande concentration dans ses gravures, qui sont désormais « d'un grand raffinement », comme Joseph et la femme de Putiphar[28]. Nouvelle baisse de production picturale en 1636. Le couple perd un nouvel enfant, Cornelia, en 1638. Les commandes de portraits cessent[28].
En 1639, Rembrandt et Saskia, qui vivent désormais dans une plus grande aisance financière[note 14], vont habiter une maison cossue (qui deviendra le Musée de Rembrandt) de Jodenbreestraat, dans le quartier juif[note 15]. Une maison plus spacieuse et qui permet au peintre de recevoir et d'exposer, mais il doit prendre une hypothèque et s'endetter lourdement pour l'acquérir, ce qui devient la cause principale de ses difficultés financières ultérieures[5]. Un troisième enfant meurt peu après sa naissance en 1640. Le quatrième, Titus, né en 1641, sera le seul à atteindre l'âge adulte[29]. Saskia meurt d'une phtisie en 1642 à l'âge de 30 ans.
Il réalise d'importantes gravures dans tous les genres, mais le sommet artistique de cette période est le tableau La Ronde de nuit (De Nachtwacht, Rijksmuseum Amsterdam, 1642) : l'œuvre originale mesure 440 × 500 cm (mais sera plus tard diminuée) et fait le portrait de 18 membres d'une milice civile, d'une façon dynamique, révolutionnaire pour son temps.
Sa production de peintures continue et celle des eaux-fortes se stabilise jusqu'à la fin de sa carrière autour de six estampes par an[29]. Il connaît à partir de 1642 un grand succès commercial, étant l'un des peintres les plus demandés de la ville et son atelier ayant beaucoup de succès[30],[31].
Entre 1643 et 1649, Rembrandt partage ensuite sa vie avec sa servante Geertje Dircx, jeune veuve sans enfant, qui prend en charge son jeune fils Titus, en tant que nourrice sèche. En 1648, elle rédige, à la demande de Rembrandt, son testament où elle lègue à Titus les bijoux de Saskia que Rembrandt lui avait offerts[32]. Cette liaison entre un veuf et la nourrice de son fils provoque un scandale. Rembrandt ne peut pas se remarier car par testament il perdrait alors l'héritage de sa première femme Saskia. En 1649, Geertje entame et gagne un procès contre Rembrandt sur le sujet de promesse de mariage[33]. Mais Rembrandt la fait jeter en prison en 1650, pour une durée de 12 ans, l'accusant de mauvaises mœurs, de conduite déraisonnable et de vol[34]. En 1645, Hendrickje Stoffels, plus jeune que Geertje, était devenue une nouvelle servante de la maison et avait remplacé, au bout de quelques années, Geertje comme concubine[35]. La vie privée de Rembrandt est très agitée, et 1649 est la seule année où Rembrandt ne réalise aucun tableau ni estampe — à noter tout de même que bien que non datée, l'une de ses plus remarquables estampes, La Pièce aux cent florins a été achevée vers cette année-là, après un long processus. Il vit à cette époque, sans doute en partie en raison de ses démêlés avec Geertje, « une situation financière catastrophique, l'artiste n'étant pas en mesure de régler ses hypothèques ni d'acquitter ses impôts »[36]. Il reçoit très peu de commandes, les années 1650 étant moins prolifiques en ce domaine que la seule année 1632, alors que c'est sa principale source de revenus. On ne connaît par exemple qu'une seule eau-forte et un seul tableau de Rembrandt datés de 1653[36].
La collection de Rembrandt | |
Le document de cet inventaire demeure aujourd'hui encore important pour les historiens de l'art : sa collection comprenait des œuvres d'art antiques et asiatiques, des objets scientifiques, des armes, des instruments de musique, des costumes et des œuvres picturales[37]. Il possédait notamment des tableaux d'Hercules Seghers, Jan Lievens, Adriaen Brouwer, Pieter Lastman et Jan Pynas ainsi que des œuvres attribuées à Giorgione, Palma le Vieux, Lelio Orsi, Raphaël et aux Carracci ; il conservait également des estampes de Andrea Mantegna, Lucas de Leyde, Martin Schongauer, Cranach, Holbein le Jeune, Heemskerck, Frans Floris, Pieter Brueghel l'Ancien, Rubens, Jordaens, Goltzius et Abraham Bloemaert[37]. Enfin, il possédait peu de livres : une Bible, les Antiquités judaïques de Flavius Josèphe et illustrées de gravures sur bois de Tobias Stimmer et le traité sur les proportions humaines d'Albrecht Dürer[37]. Cet inventaire a permis à des spécialistes de Rembrandt de se rendre compte de la « curiosité éclairée » de ce dernier et de la grande importance de son étude de la Renaissance italienne dans son œuvre[37]. |
Après avoir été condamnée par le synode l'Église pour fornication, Hendrickje donne naissance à Cornelia en 1654[36]. Il se consacre néanmoins à des sujets religieux, aussi bien dans ses estampes que dans ses tableaux, où sont à noter Le Christ et la Samaritaine et Joseph accusé par la femme de Putiphar, peints « à double, peut-être sous la pression de sa situation financière désespérée »[36].
Rembrandt vivant au-dessus de ses moyens, achetant des pièces d'art du monde entier (collection qui lui sert de modèle dans ses peintures), des costumes dont il se sert souvent dans ses œuvres, n'arrive plus à honorer ses dettes en 1656. Il est alors contraint de vendre sa maison et ses possessions — qui font l'objet d'un inventaire[note 16] — aux enchères et de se contenter d'un logis plus modeste loué au 184 du canal Rozengracht (nl). Sa compagne Hendrickje et son fils Titus fondent en 1658 une association pour continuer le commerce d'œuvres d'art qu'ils avaient commencé avant ces événements et obtiennent l'exclusivité du commerce de celles de Rembrandt en contrepartie de l'obligation d'entretenir Rembrandt toute sa vie[note 17]. Malgré la renommée de Rembrandt qui continue à croître, les commandes diminuent et une grande toile de 1660, La Conjuration de Claudius Civilis (son tableau le plus grand), destiné à la nouvelle mairie d'Amsterdam, est refusée et retournée (maintenant dans le musée national de Stockholm)[38].
En 1663, Hendrickje meurt et son fils se marie, laissant Rembrandt complètement seul. Ces événements marquent ses contemporains, et Joost van den Vondel, le grand poète national[note 18], fait comme ceux-ci le rapprochement avec ses œuvres, jugées plus obscures qu'avant, en le décrivant comme « l'ami et le fils de l'ombre, pareil au hibou nocturne »[39].
Les critiques de son époque, tels Joachim von Sandrart (Teutsche Academie, 1675), Samuel van Hoogstraten (Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst, 1677[note 19]), Arnold Houbraken (Le Grand Théâtre des peintres néerlandais, 1718-1721) et Gérard de Lairesse (Le Grand Livre des peintres, ou l'Art de la peinture considéré dans toutes ses parties, et démontré par principes ... auquel on a joint les Principes du dessin, 1787) louaient son génie mais réprouvaient « son manque de goût, son naturalisme vulgaire, son dessin négligé, la rareté de sujets nobles dans son œuvre[42] ». Rembrandt avait suivi l'évolution du baroque international vers une phase plus classique[43], mais alors que son style personnel arrivait à son paroxysme, il s'éloignait de celui de ses contemporains, plus proche des Van Dyck voire de ses élèves ou anciens compagnons d'ateliers (Govaert Flinck et Jan Lievens)[39].
Malgré une image de solitaire incompris, Rembrandt a continué à recevoir des commandes : de particuliers, notamment Jan Six[œ 4] ; de corporations, comme l'atteste le fameux tableau Le Syndic de la guilde des drapiers (1662) ; et même à l'international, puisqu'un noble italien lui commanda un philosophe et reçut Aristote contemplant le buste d'Homère (1653) et plus tard Alexandre le Grand (1661) et Homère (1663), ainsi que 189 eaux-fortes en 1669[39]. Il continuait par ailleurs à avoir des élèves, notamment Philips Koninck et Aert de Gelder[39].
Lors de ses huit dernières années, Rembrandt n'a produit qu'une seule gravure : un portrait[œ 5] de commande « insignifiant[44] ». Cette mise à l'écart de cet art de prédilection ne s'explique pas par un quelconque empêchement lié à la vieillesse, mais, selon Sophie de Brussière (Petit Palais), parce que Rembrandt avait déjà terminé l'exploration des techniques de la gravure — et en parallèle réussi à obtenir ce qu'il avait recherché pendant toute sa carrière de peintre, la « lumière-couleur » —, et n'y accordait plus d'attention[44].
Il survit aux disparitions de Hendrickje (morte en 1663 de la peste) et Titus, mort en 1668. Sa fille Cornelia, sa belle-fille Marguerite et sa petite-fille Titia sont à ses côtés quand il meurt le à Amsterdam. Désargenté, il est inhumé dans une tombe louée dans l'église Westerkerk, où une plaque commémorative est déposée en 1906 sur une colonne septentrionale de la nef mais plus aucune trace de cette tombe ne subsiste aujourd'hui, la famille van Rijn n'ayant plus assez d'argent pour y faire construire un tombeau personnel[45].
Rembrandt a eu plusieurs élèves qui ont connu le succès :
Beaucoup d'œuvres habituellement attribuées à Rembrandt (telles L'Homme au casque d'or, Le Cavalier polonais ou le Philosophe en méditation) ont une paternité aujourd'hui contestée par les experts, notamment ceux du Rembrandt Research Project, une coopération de six professeurs universitaires néerlandais. Le peintre a en effet encouragé ses élèves à copier ses œuvres ou a profité de la vente de leurs tableaux, se rémunérant ainsi en échange de leur instruction et de leur apprentissage. L'expertise est rendue encore plus difficile par le fait que Rembrandt ne signe pas toujours ses tableaux, que sa signature a évolué plusieurs fois et que certains de ses élèves signent leur copie du nom de leur maître[46].
La peinture de Rembrandt procède par la superposition de couches de glacis (tons de terres, procédé du clair-obscur), cette matière ou « manière brute » s'opposant à la « manière lisse » de la génération suivante de peintres hollandais[47]. Il est aussi connu pour la matérialité de sa peinture et son style rugueux, en opposition avec le style lisse et fini de ses contemporains[8].
Rembrandt a peint La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, entre 1640 et 1642. Au XVIIIe siècle, ce tableau paraissait si sombre et si détérioré qu’on a cru qu’il s’agissait d’une scène nocturne. Il fut donc rebaptisé ou surnommé La Ronde de nuit. Un nettoyage opéré en 1947 permit de restituer sa lumière et surtout ses couleurs à l’œuvre, qui représente un groupe d'arquebusiers, quittant l'ombre d'une cour et s'avançant dans la lumière du jour.
Le tableau a été commandé pour orner le nouveau hall du Kloveniersdoelen, la compagnie des arquebusiers, une des milices de gardes civils chargées de défendre la ville en cas de conflit. Rembrandt, s'éloignant des conventions du genre, choisit de montrer la troupe alors qu'elle se met en mouvement. On ne sait d'ailleurs pas à quelle occasion. S'agit-il d'une simple patrouille ou d'un événement particulier ? Une parade, à l'occasion de la visite de Marie de Médicis à Amsterdam, en 1638, ou celle d'Henriette Marie d'Angleterre, en 1642, ont été suggérées. Quoi qu'il en soit, cette approche artistique contraria les commanditaires et certains membres de la milice furent agacés de se voir relégués à l'arrière-plan, presque invisibles. À 1600 florins, le paiement était un record dans l'œuvre de Rembrandt, dans une société où un ouvrier gagnait de 200 à 250 florins par an.
En 1725, pour qu'elle pût trouver sa place sur un mur d'une salle de l'Hôtel de ville, des morceaux de la toile, alors d'environ 500 × 387 cm, furent découpés. Ses dimensions actuelles (438 × 359 cm) sont encore impressionnantes : elle occupe tout un côté d'une des plus grandes salles du Rijksmuseum, dont elle est considérée comme l'œuvre majeure.
Une restauration majeure est effectuée en 1975, après qu'un homme l'a lacérée à coups de couteau[48].
Depuis 2019, l'opération « Night Watch » (« Ronde de Nuit ») permet une nouvelle campagne de recherche et de restauration sous le regard du public[49]. En 2021 et pour la première fois depuis 300 ans, la Ronde de nuit est présentée dans ses dimensions originelles, les parties manquantes reconstituées, grâce à l'intelligence artificielle, par impression sur toile[50].
Cette toile représente six personnages en costume noir, portant chapeaux et fraises, qui vérifient les comptes de la corporation des drapiers. Elle illustre bien le talent de Rembrandt pour la disposition de ses personnages. Son exécution est sobre et efficace. Un article publié en 2004, par Margaret S. Livingstone, professeur de neurobiologie à l'Université de Harvard Medical School, suggère que Rembrandt, dont les yeux n'étaient pas alignés correctement, souffrait de cécité stéréo (en). Cette conclusion a été faite après l'étude de trente-six autoportraits du peintre. Parce qu'il ne pouvait pas former une vision binoculaire normale, son cerveau se reportait automatiquement sur un seul œil pour de nombreuses tâches visuelles. Cette incapacité pourrait l'avoir aidé à aplatir les images qu'il voyait pour les restituer ensuite sur la toile en deux dimensions.
Près de 300 feuilles sont attribuées actuellement au peintre (contre plus de 1300 dans les années 1950). Il s'agit essentiellement d'exercices de style, la plupart n'ayant pas de rapport direct avec un tableau existant. Les plus riches collections sont conservées à Londres, Amsterdam, Berlin et au Musée du Louvre.
Le peintre a utilisé de nombreuses techniques dont la sanguine, l'encre, la pierre noire. Les thèmes en sont divers mais différents de ceux de ses tableaux : peu de portraits et beaucoup de paysages.
Le peintre reste l'un des grands aquafortistes du XVIIe siècle et a laissé près de 290 planches qui pour la plupart ne correspondent pas aux originaux car Rembrandt aimait les retravailler. Il a probablement appris la technique auprès de Jan Lievens qui partageait sans doute son atelier à Leyde.
Ses premières eaux-fortes datent de 1626 : Repos en Égypte (B 59) et La circoncision (s 398). Rembrandt n'a pas coutume de signer et dater les eaux-fortes. Une seule échappe à cette règle : Jeune homme au buste : autoportrait (B 338). Il s'est spécialisé dans la technique de l'eau-forte, utilisant une plaque de cuivre recouverte d'un vernis, ce qui permet de travailler sur cette dernière avec le même geste que le dessinateur. De l'acide attaquait ensuite les zones découvertes par le vernis (la morsure), formant un relief en creux qui pouvait retenir l'encre. Rembrandt utilisait plusieurs techniques complémentaires : la double morsure où il reprenait la plaque en la recouvrant une deuxième fois d'un vernis transparent, l'emploi complémentaire d'un burin pour accentuer certains traits, ou d'un « mordant » directement sur la plaque afin d'obtenir des effets de brume. Il a laissé également des irrégularités d'encrage permettant la constitution de voiles plus ou moins opaques.
L'année 1630 est extrêmement prolifique : Rembrandt faisant la moue (B 10), Rembrandt à la bouche ouverte (B 13), Rembrandt au bonnet fourré et habit blanc (B 24), Présentation au temple, avec l'ange (B51), Jésus-christ au milieu des docteurs de la loi (B66), Gueux et gueuse (B 164), Gueux assis sur une motte de terre ; ressemblant à Rembrandt (B 174), Tête d'homme chauve (B 292), Tête d'homme chauve, tourné à droite (B 294), Tête d'homme de face (B 304), Vieillard à grande barbe (B 309), Tête de face riante : autoportrait (B 316), Tête d'homme au bonnet coupé ; Rembrandt aux yeux hagards (B 320), Homme à moustaches relevées et assis (B 325). Ce sont de petits formats[64].
Entre 1650 et 1655, Rembrandt a fait quelques rares planches directement en taille-douce.
« Rembrandt » est une modification de l'orthographe du prénom de l'artiste qu'il a présentée en 1633. Ses premières signatures (vers 1625) se composaient d'un premier « R », ou le monogramme « RH » (pour Rembrant Harmenszoon, c'est-à-dire « fils de Harmen »), et à partir de 1629, « RHL » (« L » était, vraisemblablement, pour Leiden). En 1632, il a utilisé ce monogramme au début de l'année, puis a ajouté à son patronyme, « RHL-van Rijn », mais a remplacé cette forme dans la même année et a commencé à utiliser son prénom seul avec son orthographe d'origine, « Rembrant ». En 1633, il a ajouté un « d », et a toujours maintenu cette forme à partir de là, ce qui prouve que cette petite modification avait un sens pour lui. Ce changement est purement visuel, il ne change pas la façon dont son nom est prononcé. Curieusement, malgré le grand nombre de peintures et de gravures signées avec ce changement de prénom, la plupart de ses documents qui sont mentionnés au cours de sa vie ont conservé l'orthographe originelle « Rembrant ». (Note : la chronologie approximative de la signature des formes ci-dessus s'applique aux peintures et, dans une moindre mesure, à la gravure, de 1632, vraisemblablement, il n'y a qu'une seule gravure signée « RHL-v. Rijn », le grand format La résurrection de Lazare (B 73) ). Sa pratique de signer son travail de son prénom a probablement été inspirée par Raphaël, Léonard de Vinci et Michel-Ange, qui, hier comme aujourd'hui, ont été appelés par leur prénom seul[65].
La distinction entre l'œuvre originale du peintre et celle faite par son atelier est difficile et les attributions ont été variables dans le temps, Rembrandt n'hésitait pas en effet à signer de son nom des tableaux qui étaient l'œuvre de collaborateurs parfois éloignés, le peintre entretenant sciemment cette confusion même pour des autoportraits. De plus, certaines de ses œuvres qui lui furent attribuées étaient réalisées par de ses élèves ou des imitateurs qui prenaient parfois la liberté de signer du nom de Rembrandt[66].
En 1836 est publié le premier recensement de son œuvre peinte, fait par John Smith, qui compte près de 600 tableaux. Près de 400 peintures supplémentaires lui sont attribuées par la suite, grâce à l'étude de Wilhelm von Bode publiée chez Charles Sedelmeyer (8 volumes, 1897-1907). Un inventaire de 1915 ramène ce nombre à 740 et Abraham Bredius à 600 dans un catalogue publié en 1935[67].
En 1968, le Rembrandt Research Project (RRP) a été créé sous l'égide de l'Organisation néerlandaise pour l'avancement de la recherche scientifique (Nederlandse Organisatie voor Wetenschappelijk Onderzoek) et publie un nouveau catalogue raisonné qui porte à 420 le nombre de tableaux. Des historiens d'art et des experts de plusieurs disciplines se sont associés pour valider l'authenticité des travaux attribués à Rembrandt et établir une liste complète de ses peintures au sein d'un catalogue raisonné. Certaines œuvres ont été retirées de la liste après expertise, dont Le Cavalier polonais, conservé par la Frick Collection de New York. La plupart des experts, parmi lesquels le Dr Josua Bruyn du RRP, attribuent maintenant ce tableau à l'un des plus talentueux élèves de Rembrandt, Willem Drost. En 2003, le comité poursuit ses travaux d'investigation. Les enjeux de ces désattributions sont de taille et suscitent de grosses polémiques : un Rembrandt peut se vendre dans les années 2010 à plus de 28 millions de dollars américains ; la Wallace Collection, qui avait 11 tableaux de Rembrandt, ne se retrouve plus qu'avec un seul authentifié. L'expertise de L'Homme au casque d'or, exposé à la Gemäldegalerie de Berlin, a également abouti à la conclusion que son « attribution à Rembrandt est à présent pratiquement exclue »[68].
À la suite des désattributions effectuées par les experts (notamment Ernst van de Wetering, directeur du Rembrandt Research Project), il n'en resterait actuellement que 357 estimés authentiques[69].
Fin 2018, des études menées à l'European Synchrotron Radiation Facility permettent de comprendre la technique utilisée par Rembrandt pour donner du relief à ses peintures. L'artiste utilisait la technique d'empâtement pour donner ce relief mais l'ingrédient extrêmement rare mis en évidence est la plombonacrite, de formule chimique Pb5(CO3)3O(OH)2[70],[71].
Dans la deuxième édition de Description de Leiden (en néerlandais : Beschrijvinge der stadt Leyden, 1641), Jan Janszoon Orlers, maire de la ville, inclut la première biographie imprimée (sur une demi-page) de Rembrandt[29],[4].
Edme-François Gersaint (1694-1750) est le premier à publier un catalogue de gravures de Rembrandt, en 1751[73] (à titre posthume) : le Catalogue raisonné de toutes les pièces qui forment l’œuvre de Rembrandt[74],[note 20]. Gersaint choisit dans cet ouvrage de classer les œuvres non pas dans un ordre chronologique, mais suivant le sujet — et il sera en ceci suivi par la plupart de ses successeurs[73] — qui sont : portraits de Rembrandt ; Ancien Testament ; Nouveau Testament ; sujets pieux, pièces de fantaisie ; mendiants, sujets libres ; paysages ; portraits d'hommes ; têtes de fantaisie ; portraits de femmes ; études[73].
Adam von Bartsch (1757-1821), également aquafortiste, écrit un ouvrage référence dans ce domaine : Catalogue raisonné de toutes les Estampes qui forment l'Œuvre de Rembrandt, et ceux de ses principaux Imitateurs[76]. Il y établit ce qui est devenu le système de numérotation définitif, sur son propre nom (par exemple « Bartsch 17 » ou « B. 17 »), pour les gravures à l'eau-forte de Rembrandt et les copies de beaucoup d'autres artistes, système encore employé dans ce domaine.
Ignace Joseph de Claussin (1795-1844), compose en 1824 Catalogue raisonné de toutes les estampes qui forment l'œuvre de Rembrandt, et des principales pièces de ses élèves[77] puis en 1828 Supplément au Catalogue de Rembrandt[78], le premier faisant référence, notamment pour Charles Henry Middleton qui le cite abondamment dans A Descriptive catalogue of the etched work of Rembrandt van Rhyn (1878)[79], un autre ouvrage de référence. En gravure, sont également à noter Charles Blanc, Eugène Dutuit, Arthur Mayger Hind et André-Charles Coppier.
Le tableau L’enfant à la bulle de savon, volé au musée de Draguignan le , dont la valeur était estimée à plus de 20 millions de francs en 1999 (4 millions d'euros), a été retrouvé le , l'auteur du vol s'étant rendu volontairement à la gendarmerie de Marmande[80],[81]. Cependant, depuis que la toile (non signée) a été retrouvée, la grande majorité des experts[Qui ?], historiens de l'art et conservateurs de musées en France comme ailleurs ont fait part de leurs doutes quant à son authenticité, y voyant la main d’un élève ou d’un imitateur. La conservatrice du musée rappelle que la toile est considérée comme un Rembrandt depuis son acquisition, ce qui ne vaut pas comme argument puisque les attributions étaient très généreuses autrefois, alors que l'on manquait de moyens scientifiques d'analyse des peintures[réf. nécessaire] : propriété du comte de Tourves, la toile a fait l’objet d’une saisie révolutionnaire en 1794, pour intégrer le musée de Draguignan. Le tableau a retrouvé les collections du musée le [82].
Ce travail a été réalisé en partenariat avec une équipe de Microsoft, le musée de la maison Rembrandt à Amsterdam, l'université de technologie de Delft et la galerie royale de Mauritshuis à La Haye, et a été présentée le 5 avril 2016 à Amsterdam[83]. Résultat d'un travail collaboratif de 18 mois, le rendu de 148 millions de pixels s'appuie sur les technologies d'apprentissage automatique et l'impression 3D. 346 peintures ont été scannées en 3D pour enregistrer les couleurs et le relief de l'huile. Ces images ont ensuite été analysées par un algorithme qui en a extrait toutes les informations. Le programme a permis de faire ressortir les caractéristiques de l’œuvre du peintre pour faire le portrait-robot de ses œuvres soit un portrait, d'un homme de type caucasien, de face, regardant vers la droite, âgé entre 30 et 40 ans, vêtu de noir avec un col, portant la barbe et coiffé d'un chapeau[83]. Grâce à un algorithme de traitement et de reconnaissance d'image, les détails clés des œuvres de Rembrandt ont été mis en évidence : l’espacement des yeux, la position du nez, la forme des visages, etc. Treize couches ont été imprimées successivement avec une encre à UV spéciale pour respecter les multiples couches de peintures superposées les unes aux autres présentes sur les tableaux actuellement authentifiés de Rembrandt[83].
En 2019, pour les 350 ans de la mort du peintre, les Pays-Bas sont sous le signe de Rembrandt et du Siècle d'or néerlandais. NBTC Holland Marketing, le Rijksmuseum Amsterdam, le Mauritshuis, le Musée De Lakenhal, le Musée Prinsenhof de Delft, le Fries Museum (en), le Nederlands Scheepvaartmuseum et le Musée de la maison de Rembrandt collaborent avec des villes comme Middelbourg, Leyde, Dordrecht, Haarlem, Enkhuizen, Hoorn, Delft et Amsterdam[84],[85].
: document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.
Plusieurs fictions, au cinéma ou à la télévision, ont retracé la vie de Rembrandt :
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